そして、設計者であるstudio velocityのお二人、栗原さんと岩月さんによる見学ポイントの解説です。建設前の敷地の状態から今の姿に至るまでのプロセスを分かりやすくお話いただきました。なぜガラス張りの空間なのか、なぜガラスが変に反射せず透明なまま幾層もあり得るのか、なぜ白く細い柱なのに建築として強いのかなど。実は一面の芝生の下にもこの建築を成立させる職人泣かせの工夫を施したとか。一見しただけではわからない「なるほど！」ポイントが語られました。

　続いて、建築ツアーへ出発です。２グループに分かれ、敷地内をくまなく、さらには周辺建物から角度や高さを変えて白く浮かぶ屋根の実体を捉えていきました。とりわけ屋上は関係者でも普段立ち入ることのできない場所。三河山地から岡崎市街のある平野部まで360度を一望できる絶景でした。

　見学後は、室内外の各々好きな場所に座って小休憩です。大学側のご好意で、氷水でキンキンに冷えたお茶をいただきました。暑い中歩き回ったので生き返ります！そして、癒しの音楽プログラムが再び。ガラス戸を開け放し室内外が一体となった中で奏でられます。まるで広々した公園にいるかのような居心地の良い時間です。

　最後は、studio velocity×小川学長×五十嵐太郎監督の語らいの時間（鼎談）です。『開学20周年を記念して使い方を模索する建築を建て、学生主体の運営チームを発足させた』とユニークな一大プロジェクトについて話す小川学長。『今回の音楽プログラムで建物の内と外の隔たりなく使えたのがすごく良かった。東西南北に加え"見下ろす"という第五の立面があるのがこの建物の特徴』と五十嵐監督。今回のあいちトリエンナーレの出品作家でもあるstudio velocityは、岡崎地区康生会場の一つであるシビコ屋上に展示した自らの作品に関するエピソードも語られました。会場からは、栗原さん・岩月さんがどのように設計を協働されているのか、また、この場所のかつてを知る人からは元々あった木々を残さなかったのはなぜ？という質問も投げかけられました。夕暮れの涼しい風に吹かれながらじっくり語らう時間となりました。

（オープンアーキテクチャー推進チーム　道尾淳子、学生ボランティア 依田紋佳・中野絵梨・篠田卓臣）

　アートが見られる場所というと、美術館やギャラリーが一般的ですが、それらとは異なる自立したアートスペースのことをオルタナディブスペースと呼びます。欧米のアートシーンに由来し、日本では1980年代から設立されました。公設民営の施設から作家自身が運営するものまでありますが、倉庫やビル、学校などを再利用している場合がほとんどで、美術館やギャラリーではできない自由で柔軟な表現が可能な場として機能してきました。共同アトリエのdot、外部の作家を中心とした展覧会を企画・運営する＋GALLERY PROJECT 、展覧会に限らず作家と作家、作家と社会をつなぐ場をつくるN-markは、この地域の現代アートシーンに少なからず影響を与えてきました。

　各団体のプレゼンテーションの後、「オルタナティブの活動がトリエンナーレに影響しているか」について、「僕らの活動をトリエンナーレのキーパーソンが見て、関係ができれば発表の場につながる」（石田さん）、「ほかの国際展には影響しているかもしれないが、あいちでは影響していないと思う。韓国では、国際展の中でオルタナティブの団体やキュレーターが発表できる場がある」（平松さん）、「地元作家や若手の起用が少ない。もっと地元作家のステップアップにつながるといい。僕らも一緒にできることがあるといいと思う」など意見が交わされました。

　「今後のオルタナティブのあり方」については、「美術館など既存の施設と連携していけたら。海外ではオルタナティブな活動を受け入れている施設も少なくないが、日本では予算や行政的な絡みで難しい」（平松さん）、「日本ではアートは文化政策として確立されていない。政策ができると僕らも行動しやすい」（武藤さん）、また「オルタナティブは今後も必要か」については「美術館やギャラリー以外にも作家をサポートできる組織や場所があるのはいい」（石田さん）、「運営資金をどう捻出するかが問題。自己負担や助成金に頼るしかない」（平松さん）、「オルタナティブを見ればその地域のアートシーンがわかる。なぜオルタナティブが疲弊しているかを考えると、名古屋のアートシーンがおもしろくなるのでは」（武藤さん）と話されました。

　会場からの「名古屋の若手に対して思うことは」という質問には、「もっとぐいぐい売り込みに来てもいい」（武藤さん）という発言も。名古屋のアートシーンやトリエンナーレを、オルタナティブという視点から考える機会となったのではないでしょうか。

　参加者は受付を済ませると、まずはコンサートホールへ向かいました。親子が着席する1階席とステージは、すぐ近く！　ステージには、３台のピアノが並んでいます。どれも異なる種類のピアノですが、どんな音色がするのでしょうか。また、このホールの特徴の一つである残響時間2.1秒という響きは、どんなふうに耳に届くのでしょうか。

　中村ゆかりさんの司会で、いよいよプログラムが始まります。コンサートホールで行う第1部は、中村ゆかりさんのナレーションと4人の演奏家による音楽劇「ブレーメンの音楽隊」。物語はクラシック音楽の演奏によって表現されていきました。しかも演奏されるクラシック音楽は、 "一度は聴いたことのある"メロディーばかり。ピアノは金澤みなつさん。オーボエは柴田祐太さん（イヌ役）、ヴァイオリンとヴィオラは江頭摩耶さん（ネコ役）、テノールは田中健晴さん（ニワトリ役）です。舞台正面にはあいちトリエンナーレ2013出品作家である山下拓也さんによる絵本調のスライド上映もありました。

　それぞれの楽器の音色や歌声は、マイクやアンプなどの音響機器を使用しなくても美しく響きます。ヴィンヤード型と呼ばれる客席構や、カーテン型の壁、天井から吊るされた反響板などによる効果で、音楽劇の鑑賞とともに、じっくり体験できました。

　「ブレーメンの音楽隊」を鑑賞したあとは、約20分間、思い思いにバックステージを探検です。照明等の操作卓といった機械的な装置から、楽器庫、あるいは世界中の楽団のサイン入りポスターが見られるなど、コンサートホールならではの見どころがありました。特別にパイプオルガン内部の見学や、楽屋の見学もできました。またステージ上では、たった今演奏してくださったアーティストが直接楽器を弾いて見せてくれたり、子どもに弾かせてくれたりするというスペシャルな交流もあって、記念撮影にも応じてくれました。

　思い思いの楽しみ方でコンサートを満喫した後、第2部を行う大ホールへ移動しました。

　愛知芸術文化センターの大ホールは、オペラやバレエなど様々な舞台芸術が上演できるホールで、客席は2500席。日本最大級の設備や大きさをもったホールです。コンサートホールが音の響きを重視している一方で、大ホールは様々な舞台機構がその特徴。まず舞台責任者である中村さんが、座席数やオーケストラピットの説明、舞台上の仕掛け、音響、照明などについて解説してくださいました。

　そして音楽とともに解説された仕掛けが実際に動き出し、「舞台機構ショー」を楽しみました。舞台の床が上がったり下がったり、回ったり......。部分的に動かされて階段のようになるなど、設備は大がかりなのに動きはとてもスムーズで、いったいどのように操作されているのか不思議なほどでした。

　最後は、子どもたちがお待ちかねのプログラム、「奈落体験」です。二組に分かれて舞台の上に実際に乗り、最初に４．５ｍ上昇、それから元の位置に戻ってから、そのまま約１３ｍ下の奈落まで降りるのです。

　前半と後半、二組に分かれてステージに上がります。普段なかなか見ることのできないホール内部が一望でき、とてもきれいでした。そしてエレベーターのように床がゆっくりと上昇し始めました。４．５ｍといっても、意外に高いです！　舞台に乗った150名と、客席に残る150名が顔を見合わせ、手を振り合います！

　今度はゆっくりと下降を始め、そのまま舞台の下まで降りていきます。合計１７．５ｍ下降するわけです。普段見られない舞台下には、大きな機材や、どんな時に開けられるのか分からない宙に浮いたように見える扉などがあって、複雑な内部をうかがわせました。

　いよいよ奈落へ降りる頃、見上げると舞台（天井）が閉じていくではありませんか！　直径約１６ｍの「回り盆」と呼ばれる装置がついた舞台を、後方から前面へ移動させていたのです。これによって奈落の天井（舞台面）は一度完全に閉じられたのですが、すぐに再び開き、元に戻っていきました。本当に大がかりな設備で、迫力満点です。

　奈落へ降りると、また元の高さへ上昇しました。だんだん元の高さに近づき、再び舞台上の150名と客席に残る150名が顔を見合わせる瞬間がやってきます。"地下"から戻った150名は、すがすがしい笑顔で客席に手を振りました。

　全員が奈落を体験し、プログラムは終了。約２時間半、とても充実した時間でした。

　本格的なクラシック音楽を鑑賞することも、大がかりな舞台装置を目にすることも、普段はなかなかできない体験です。大概のことはテレビやDVDなどで済ませられてしまう近頃ですが、ときにはホールへ出かけ、一度しか体験できない、実際の上演を鑑賞するのは、やはり素晴らしいことだと思いました。特に今回のような、その"裏側"をのぞかせてもらえる機会はなかなかありません。参加した子どもたちは、音の響きや機材の操作といった"作り手側"の努力や工夫に気づけたのではないでしょうか。

　愛知芸術文化センターの皆さん、参加アーティストの皆さん、ありがとうございました。参加者の皆さん、ぜひまたホールへ遊びに来てくださいね！

アーティスト情報

　マーロン・グリフィス

　http://aichitriennale.jp/artist/marlon_griffith.html

参考情報

　パレード参加募集ページ（10月14日締切）

　http://aichitriennale.jp/participate/2013/08/post-18.html

2011年に「やなぎみわ演劇プロジェクト」を始動させ、大正期の築地小劇場やマヴォなど新興芸術運動の揺籃を描いた3部作、「1924 Tokyo-Berlin」「1924 海戦」「1924 人間機械」を手がけたやなぎさん。2010年にフェスティバル・トーキョーのプログラムの一環としてプロデュースされた、おばあちゃんメイドカフェ「カフェ・ロッテンマイヤー」が演劇的な作品の始まりだったというお話は、女性が空想する50年後の自分を表現した「マイ・グランドマザーズ」シリーズや、少女と老婆が登場する「フェアリーテイル」シリーズなど、演劇性、劇場性が見られるそれまでの写真作品からの展開として、深く印象に残りました。

そんなやなぎさんの原点は、学生時代に初めて見た唐十郎主宰の状況劇場のテント公演。「演劇病は感染したら一生モノ」というやなぎさんの言葉からも、今後の展開を期待しないではいられません。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター 田中由紀子）