■クリス・ワトソン《Dawn Over The Wark's Burn》（ワーク川にかかる夜明け）
センターの中央にそびえ立つ「チャレンジタワー」では、シェフィールド（イギリス）出身のアーティスト、クリス・ワトソンによる作品を展示しました。タワーに足を踏み入れ、中を見渡してもいわゆるアート作品は見当たりません。

しかし、子どもたちの声が響き渡る室内で耳を澄ますと、清涼感溢れる森の音が聞こえてきます。ワトソンはこの展覧会のための新作として、ノーサンバーランド州（イギリス）のイングランドとスコットランドの境界にあるキールダーフォレストという森を舞台に、春の夜明け前に採集した音を組み合わせ、音響作品を制作しました。

キールダーフォレスト　photo：クリス・ワトソン

全体で1時間半にも及ぶこの作品では、しんとした夜の時間帯がゆるやかに移り変わり、次第に森フクロウやコマドリなど様々な種類の鳥のさえずりと川のせせらぎや風のそよぎなど豊かな自然の音が聞こえてきます。夜明けが近づくにつれて雄鳥はテリトリーを守るために歌い、その音は共鳴し、森中に響き渡るのです。

会場内では、夢中で走り回っていた子どもが、ふと鳥の声に気づいて耳を澄ます姿や、子どもを待っている保護者たちが自然の音に長い間聞き入っている光景を見かけました。ささやかながらも、子どもたちが発する声や音とは異なる階層の自然の音は、人の耳にすんなりと入り、賑やかなチャレンジタワーからあたかも異空間へ誘うようでした。

《Dawn Over The Wark's Burn》展示風景　photo：冨田了平

■ニコラス・ガラニン《Tsu Héidei Shugaxtutaan 1,2》（しまわれていた英知の箱を、再び開けよう）
センターの1階にある「あそびラボ」に展示した、もう１名の参加アーティスト、ニコラス・ガラニンはアラスカ州シトカ（米国）を拠点に活動しています。彼はアラスカ、カナダの先住民族であるトリンギット族の血を引いており、自身の出自に関連する作品を手がけます。今回はトリンギットの伝統文化と現代の西洋やアメリカの文化をテーマにした2部構成の映像を投影しました。前半はスピーカーからトリンギット族の伝統的な歌が流れる中、現代の一般的なアパートの1室でストリートダンスを繰り広げる男性の姿を映します。ダンサーは全身の関節を柔らかく使い、時にリズミカルに、時にゆったり、緩急をつけながらひとしきり踊り、終わると画面の外へ立ち去ります。

《Tsu Héidei Shugaxtutaan 1,2》展示風景　photo：冨田了平

次に現れるのは、どこか能舞台のような雰囲気のステージがある民族的な装飾をあしらったコミュニティセンター。シトカ市郡にあるこのステージの背景は、1991年にガラニンが制作に携わった伝統的な様式による木彫りの壁です。電子音を使った現代音楽が流れ始め、獅子舞のような風貌のトリンギット族の礼装を身につけた踊り手が舞を披露します。

《Tsu Héidei Shugaxtutaan 1,2》展示風景　photo：冨田了平

2つの映像は、それぞれ現代と伝統的な手法によるダンスと音楽を組み合わせたものですが、どちらも同じ拍子で構成されているため、ダンスと音楽は見事な調和を保ち展開されます。今回発表した作品は、先住民族の芸術的技法と表現に現代性を加え、その両者のバランスを取りながら巧みに作品に仕上げるガラニンらしい作品と言えます。

常設のインタラクティブな遊具を目当てに「あそびラボ」に来た子どもたちは、映像のインパクトや独特な音楽からか、作品の前に立ち、じっと見つめていました。その後、ダンサーの動きを見よう見まねでまねる子もいれば、怖くなって保護者のもとへ駆け寄り大人と静かに鑑賞する子、なぜか全力で駆け寄る、離れるという動きを繰り返す子など、さまざまな反応がありました。

《Tsu Héidei Shugaxtutaan 1,2》展示風景　photo：冨田了平

トリエンナーレ開催1年前となる今年の8月に愛知県内の施設と連携し、参加アーティストの作品を発表できたことで、ご来場いただいた方には作品やトリエンナーレに関心を持っていただけたのではないでしょうか。来年のトリエンナーレでは、今回展示したクリス・ワトソンとニコラス・ガラニンも作品を発表します。どのような作品になるか、どうぞご期待ください。

（あいちトリエンナーレ2016アシスタントキュレーター　板垣美香）

このアート&ブレックファストは三田村さんが2006年から継続的に行っているプロジェクトの一つ。ヨーロッパでよくある宿泊施設B&B（Bed & Breakfast）からヒントを得て、『展示空間に寝起きしながら制作する』という行為をもとに、タイトルを発想したそうです。
その頃、海外に滞在中だった三田村さん、着の身着のままで訪れたその地では、見つけたものを手掛かりに、自身が得た気づきと言葉をインスタレーションとして制作。日々、水滴が溜まるように空間を満たしていったことが、このプロジェクトの始まりだったといいます。
その後、2008年に東京のスタジオで滞在制作をした際、Breakfastというタイトルにちなんで朝食会を始めたのが、今のスタイルに至った経緯とのこと。

朝食をともにするなかで、参加者自身の表情や会話が、よりパーソナルでありながらもリラックスしたムードになる、「朝食」というのは1日の始まりに素の自分から、社会のなかの自分へ切り替わる中間地点なのでは、という印象を受けたようです。
通常、朝食というのは家族やパートナーなど、親しい人とともにすることが多く、この親密な時間をともに過ごしながら、アートと関わることで、いつもとは違ったコミュニケーションを体験することができる。そして結果、パーソナルなコミュニケーションを通わすこの行為は、人々とアートとの距離を近づけることにもつながるのです。

今回、会場となった愛知県児童総合センターは、子どものための大きな遊び場。子どもたちの五感を刺激するさまざまな遊具や、遊びのソフトを開発している施設で、普段から多くの子どもたちが訪れます。

通常、美術館やギャラリーなどで行うことの多いこのプロジェクトですが、当日はキッチンスタジオ内を三田村さんのインスタレーションで囲み、プロジェクトのロゴが入る鮮やかなグリーンが印象的なランチョンマット、カップをセッティング。会場柄、子どもや家族連れの参加者が多いことから、進行には岩倉総合高校の美術部のみなさんにもお手伝いをいただきました。
岩倉総合高校へは、事前にエデュケーターが赴き、三田村さんの作品や今回のプロジェクトについての説明を行いました。
その事前準備の甲斐もあり、高校生ならではの視点や気遣いが、アーティストやアート、家族連れの参加者との良いつなぎ役となってくれました。

緊張した表情で入って来られる参加者も、食が進めば、不思議と会話も弾み、気づけば普段朝食にかける時間をゆうに超え、長居されるテーブルもちらほら。
アートに関心のあるお母さんからは、子どもを連れてゆっくり自分のための時間を過ごせたと喜ばれたことや、この朝食会をきっかけに、アーティストやアートに関わる人々が、とても身近に感じられたという声もいただきました。
アートは何かきっかけを生むものとも言われますが、今回の朝食会が、参加者の日常とアートとの関わりを生むきっかけになれたならと思います。

現在はプロジェクトが発展し、三田村さんご自身が滞在制作をしながら朝食会を行う「Art & Breakfast」、このプロジェクトの趣旨に賛同した人誰もが朝食会を開催できる「Art & Breakfast Day」、そして世界各国の開催者が同じ日に、合同でArt & Breakfast Dayを行うという壮大なプロジェクト「Art & Breakfast International」の3部体制となり進行中です。
今回参加した人も、参加できなかった人も、次回はあなた自身が主催者となって、この朝食会を企画、参加してみてはいかがでしょうか。

• Art & Breakfast
  http://www.midorimitamura.com/artbreakfastcompany.htm
• Art & Breakfast Day
  http://www.artandbreakfast.info/#!archive2015/cv28
• Art & Breakfast Day International
  http://www.artandbreakfast.info/#!aechive/cogg

photo: 冨田了平

（あいちトリエンナーレ2016エデュケーター　寺島千絵）

8月11日（火）は『ベビーカーでギャラリーツアー』として１歳前後の子どもと保護者と学芸員が一緒に展覧会を回りました。定員は5組でしたが定員を超える方々からの申込があり、小さい子どもと展覧会を楽しむ機会を多くの人が待ち望んでいるということが分かります。

「ゆったりとリラックスして作品を一緒に楽しみましょう」という声かけでスタートし、学芸員とピックアップした作品を巡ります。作品の説明と合わせて展覧会の解説も加わり、興味津々でお父さん、お母さん、おばあちゃんたちが作品を見ていきます。自然と参加者からも質問や感想が出てくるようになると、子どもたちも次第にリラックス。「こんなに小さくて作品を見るのかしら？」という大人の心配をよそに、じっと作品を見つめたり、ある作品に反応して手を嬉しそうにたたいたり。小さな彼らが全身で作品と向き合っているようでした。

およそ１時間で展示室を一回りし、5作品をじっくり鑑賞しました。「泣き出したり騒いだりしないか心配でなかなか美術館に来られない」と言っていた参加者からも「こうした場があると安心して子どもと来られる」「いろいろな話を聞けて楽しかった」と言う声をいただきました。これを機会にぜひまた美術館、そしてトリエンナーレに足を運んでいただけるよう、色々なプログラムを考えていきます。

8月12日（水）は『子から親へ。親から子へ。なりきりガイドショー！』。小学3年以上の子どもと保護者を対象に、子チームと親チームに分かれて即興演劇も加えた作品の紹介を行いました。親チームが選んだのは北川民次作《南国の花》。北川民次の小学校の同窓会で友人たちが民次について思い出話を語る、という設定で作品に描かれているものや作品背景、自分たちの印象などを紹介しました。子どもチームは中国でつくられた《緑釉生命樹》。さまざまな生き物が木を中心に配置されている様子をオリジナルストーリーに仕立てて紙芝居形式で紹介してくれました。

「1つの作品をこんなに時間をかけてじっくり見たり、考えたりすることはないのでおもしろかった」「子どもがよく作品を見ていることが分かり、よかった」などの意見もあり、大人も子どもも盛り上がりました。

最終日8月13日（木）は『アート気になる隊！キミが隊長！』。小学生以上を対象に、2チームに分かれて作品を見ていきます。「隊長」に任命された人が鑑賞する作品を決めて「どこが気になるのか」を全員で探っていきます。派手で目立つ作品ばかりでなく、ともすれば見逃してしまいそうな作品にもしっかりと子どもたちが反応し、一つ一つじっくりと鑑賞している姿が印象的でした。

作品を鑑賞したあとは全員で作品をバックに記念撮影をしました。最後に2チームが合流して撮影した写真を見ながらどんな作品を見つけ、どんなところに気がついたのかを発表し合いました。

来年のトリエンナーレ本番でも、今回のプログラムのように鑑賞に特化したプログラムを展開予定です。どうぞお楽しみに！

（あいちトリエンナーレ2016エデュケーター松村淳子）

1つ目のプログラムは『いろどろであそぶ』。3日間通した自由参加のプログラムで、山から掘り出した「原土」を粉にし、水を加えて「泥」、「粘土」にする体験をしました。愛知県陶磁美術館の学芸員と同美術館に併設する陶芸館のスタッフと一緒に活動しました。

土と言われてイメージするのは運動場や花壇や畑の土ですが、「原土」は硬くてまるで岩のようです。テーマカラーにもなっているイエローオーカー「おうど」や「がいろめ」「きぶし」といった違う種類の土が用意されました。まずはそれらの土を触りながら、それぞれの土の性質などを学芸員、陶芸館スタッフから話してもらいます。子どもたちだけでなく大人も興味深そうに土を触り、話を聞きます。

photo: 冨田了平

それからは体力勝負。選んだ土を木槌や麺棒、角材などで粉々に砕きます。砕いたらふるいにかけてより細かくしていきます。結構力の要る作業ですが、みんな夢中になって砕いていきます。粉々になったら少しずつ水を加えていきます。水となじんだら手でかき混ぜると気持ちのいい「泥」に変化します。作った泥は「どろば」に入れていきます。この流れを1クールとして好きなだけ繰り返して「どろば」を泥で満たしていきます。

土から泥にする過程の中で、土の細かな色の違いや、手触り、におい、水を吸う時のジュワジュワする音、質感などに気がついていきます。周りのスタッフの促しがなくても自然と子どもたちから気づきの声があがっていきます。

最終日には「泥」を石膏ボードにおいて水分を少しとって「粘土」に変え、かたちをつくることも体験しました。一連の体験を通して、土の持つ性質や魅力を身体一杯に感じることができました。

photo: 冨田了平

photo: 冨田了平

8月19日（水）にはトリエンナーレ参加作家でもある味岡伸太郎さんによる『大地の大壁画を描く』プログラムを行いました。美術館の敷地内を歩き、土を採集し、その土を使って壁画を描きます。

驚いたことに最近の子どもたちにとって「土」はあまり身近ではないようです。身近な自然や空き地も減り、運動場も土ではないという声も聞きました。そんな子どもたちにとって、「土を掘る」という活動はとても魅力的に映ったようでした。普段は入らないような植え込みの裏や遊歩道の奥などにスタッフと一緒に分け入り、美術館を囲む自然を感じながら土を集めます。その間で土の色の違いが見つかったり、虫や生き物を見つけたり、たくさんのことが子どもたちの中や周りで起きていきます。

集まった土はそれぞれ全く違います。鉄分を含んでいたり、砂地だったり、粘土質だったり、腐葉土であったりして、みんなでその違いに驚き、自分が集めた土に愛着も感じました。

今度は土にボンドを混ぜて絵の具をつくります。つくった土の絵の具で、いよいよ大壁画を描きます。180ほどのマスに区切った長さ10メートルの紙を埋めるように、子どもたちが一マスずつ塗りつぶしていきます。時間がかかると予想していましたが、子どもたちのエネルギーは凄まじく、あっというまに10メートルの紙が埋まりました。

photo: 冨田了平

photo: 冨田了平

photo: 冨田了平

photo: 冨田了平

最後にみんなで紙を運んで美術館の中に飾ります。乾いてきて少しずつ色が変化していく様子も見ながら、充実した心持ちでプログラムが終了しました。

10月末にはギャラリーサンセリテ（豊橋）にて子どもたちと同じ場所で採取した土で味岡さんが新作を発表される予定です！アーティストが表現したらどんな作品になるのか、こちらもお楽しみに！

photo: 冨田了平

photo: 冨田了平

（あいちトリエンナーレ2016エデュケーター松村淳子）

それでは、具体的内容を現代美術、舞台芸術、普及・教育事業、連携事業の順にかいつまんで説明します。

まず、国際展ですけれども、規模的には前回同様に国内外から75組程度のアーティストが参加します。会場は、愛知県美術館を含む愛知芸術文化センターを中心とした先ほど説明しました会場、そして豊橋市、岡崎市の両市になります。テーマが「創造する人間の旅」なので、作品や作家のプログラムにおいても、それが何らかの形で取り入れられるだろうと思っています。国際展と並んで、映像作品も前回同様のプログラムで20組程度の参加を企画しています。両方合わせて、今回は10組の発表をいたします。

次に、舞台芸術ですけれども、まずパフォーミングアーツは前回同様に10組～15組くらいの団体が参加します。ダンス、演劇、音楽等をこの愛知芸術文化センターを中心に上演します。こちらでもテーマがある程度反映されるような内容になってくると思います。会期は、前回は会期中平均して上演されましたが、今回は会期の後半の3週間程度、特に週末を中心にして集中的に上演することを考えています。次にプロデュースオペラですが、今回は演目としてモーツァルトの「魔笛」（全2幕ドイツ語上演）、指揮はガエタノ・デスピノーサ、演出は勅使川原三郎さんで上演します。公演日は9月17日（土）、19日（月・祝）を考えています。

3番目に、普及・教育プログラムですが、前回同様に子どもや学生を対象としたものの他、幅広く一般の方々を対象にしたプログラムを実施いたします。創作プログラムや実際に展覧会を訪れて作品を鑑賞する鑑賞プログラム、参加しているアーティスト自身による解説トークや講座等も実施します。会場に来ていただくだけではなくて、アーティストが学校等に出向いて行う学校団体等向けのプログラムを今回も行う予定です。

4番目に連携事業ですけれども、これも前回と同じになりますけど、今回の出品作家15組程度による県内の施設を巡回するモバイル・トリエンナーレを行います。次の舞台芸術公募プログラムは、前回まで祝祭ウィーク事業と銘打たれていましたが、今回はこの名称で一般の応募企画から選考された地元文化芸術団体等との共催の舞台公演を行う予定です。期間は、9月23日から10月2日で、この愛知芸術文化センターを中心とした会場になる予定です。3つ目の芸術大学連携プロジェクトですが、今回は愛知県庁の大津橋分室という新たにオープンするスペースを使ったり、長者町地区の施設を使ったりして作品等の展示を地元芸術大学との連携によって行います。その他、地域の文化芸術団体や文化施設等との協力事業、あるいは前回もそうでしたが、多くのボランティアに支えられたサポート体制により会場の運営や、ガイドツアー、そして地域で活動するNPO等の協力によりトリエンナーレ全体を市民参加型で盛り上げて行くことを考えています。

以上が企画概要になります。

プレスリリースのページをめくっていただいて、これは前回の記者会見で発表したテーマ・コンセプトです。このコンセプトを今回の記者発表で、より具体的にお伝えすることを考えて、お手元にありますビジュアルブックを制作しました。見ていただくと分かると思いますが、コンセプトの内容とそれに触れる、関連するような文学、美術、音楽やダンスという広いジャンルからの引用を散りばめたコンセプトブックになっています。掲載されている写真は、私自身が撮影したもので、世界各地の風景、後半には今年の初めに訪れました花祭りの写真も入っています。この内容と連動する形で、今回ビジュアルのプロモーションビデオを制作いたしました。これには、美術家の山城大督さんが中心になって、作曲家の蓮沼執太さんとプログラマー林洋介さんが、旅を実感するような今回のあいちトリエンナーレのコンセプトを詩的に訴えらえるようなビジュアルプログラムを作っていただきました。今日初めて公開いたしますので、見ていただきたいと思います。

～コンセプトビデオ上映～

今公開しましたプロモーションビデオは、今後あいちトリエンナーレ公式WEBサイト等で一般公開します。

それでは、この内容を具体的に実施するに当たっての企画体制をご紹介したいと思います。プレスリリース8ページ、9ページに記載した12名の方々のうち半数の6名の方に本日出席いただいておりますので、順番に紹介させていただきます。国際展のチーフ・キュレーターの拝戸雅彦さん。映像プログラムのキュレーター越後谷卓司さん。パフォーミングアーツのキュレーターの藤井明子さん、同じく唐津絵理さん。プロデュースオペラのプロデューサーの水野学さん。チーフ・エデュケーターの伊藤優子さん。以上の6名に本日出席いただいております。

前回発表したとおり、公式デザイナーに永原康史さん。映像プログラムキュレーターに濱治佳さんが参加されます。そして、国際展のキュレーターチームに、ダニエラ・カストロさん、服部浩之さん、金井直さん、ゼイネップ・オズさんの4名が参加されます。ダニエラさんはブラジル人で、サンパウロを拠点にして活躍しているキュレーターです。ゼイネップ・オズさんはトルコの首都イスタンブールをベースに既に多くのキュレーションをされているキュレーターです。今回のキャラヴァンサライという旅をテーマに、広い世界を旅していく内容を実現するにあたって、南半球の方やヨーロッパとアジアを結ぶ結節点のトルコからの参加が得られることで、より包括的なプログラムが組めるのではないかと思っています。

それでは、最後になりますが、今回発表するアーティストを順番に発表したいと思います。時間が限られていますので、映像に合わせて簡単に紹介をさせていただきます。

まず、*キャンディ・ファクトリー・プロジェクト / 北九州国際ビエンナーレ in 愛知。少し長い名称ですが、ユニークな活動をしている展覧会プロジェクトになります。次に、ジョヴァンニ・アンセルモ。今回発表するアルテ・ポーヴェラの代表的な作家で、今回発表する中では最年長になるかと思います。それから、ニコラス・ガラニン。アメリカのアラスカ州生まれの作家で、北米の先住民の芸術や伝統を取り入れた作品で知られています。三田村光土里さん、既に国内外で多くの作品を発表されています。西尾美也さん、この方も世界中で様々な布地や古着を使った大規模なインスタレーションで知られています。大巻伸嗣さん、岡部昌生さん、クリス・ワトソンさん。クリス・ワトソンさんはイギリスのシェフィールド生まれで、レコーディングアーティストといいますか、音楽家で世界中を旅行しながら音、特に自然や動物の音を録音してきた作家です。写真には、ワニを録音するクリス・ワトソンと書いてありますけれど、ワニの何を録音しているのかちょっと分かりませんが、きっと未知の世界を見せてくれるのではないかと思います。山城知佳子さん、沖縄県生れで那覇を拠点に活躍している作家です。以上が現代美術になります。

今回は、これにプラスして映像プログラムに映画監督の高嶺剛さん、高嶺監督も沖縄県生れですが、既に「夢幻琉球・つるヘンリー」や「ウンタマギルー」という傑作によって世界的に知られる監督になります。

パフォーミングアーツからは2組発表します。1組目のイスラエル・ガルバンは、スペインのセビリア生まれで、フラメンコ界では既に国際的な名声を得ている天才的なダンサーです。2組目の小杉武久さんは、60年代から前衛的な芸術をずっと続けていられるのですが、その長い経験をベースにして新しい世界を見せてくれるのではないかと思います。

プロデュースオペラは、先ほど申し上げた通り、モーツァルトの「魔笛」。これを勅使川原三郎の演出、ガエタノ・デスピノーサの指揮で上演します。

主な会場ですが、先ほど言いましたように、5つの地区が現在のところ開催地になります。豊橋市、岡崎市の具体的な会場は、これからリサーチを重ねて決定し、発表していきます。

少し駆け足になりましたが、以上が本日発表します開催概要になります。

その「創る人」が、はるか太古から現在まで、そして現在から未来に向かって旅をしていくというイメージ、これを「キャラヴァン」に託してこのタイトルを考えております。コンセプトの最初に、人間が作り出したもののうちで最もわれわれが住むこの地球から遠くへ飛行しているものとして、アメリカが宇宙に向かって放った探査機のエピソードを書きました。これは太古の昔に、人間が石を掻いて石器と呼ばれる道具を作って以来、連綿と続いてきた人間の技術と創造力、そして好奇心に対する一種のオマージュであります。

ラテン語では、今日では芸術と技術は別々の概念でありますけど、もともとは「アート」の語源になった「アルス」という言葉で一つに結ばれていました。その技術を手にした人間が築いたのが現代文明ですけれども、これはいい面ばかりではありません。2回目に取り上げられた震災後の日本の現実を見据えたトリエンナーレでも扱われましたけれども、人間が良かれと思って手にした技術が、人間と自然の結びつきを絶ってしまったり、生きるものと土地の関係を見えなくしたり、あるいは人と人との間の繋がりを絶ってしまったりという、技術が必ずしもいい面ばかりではなくて、一言で言えば、分断するようになったのが現代の文明であります。

翻ってみれば、芸術というのは、そうした分断される繋がりを結びつける、人と人とを感動によって結びつける力を発揮して今日まで続いてきたわけです。その意味で創る人間たちが創ることを通して、自然と芸術の間に、あるいは生命と土地の間に連続性を見出すシンボルとして虹というイメージをテーマの最初に掲げてあります。

虹というのは大空にかかる橋でありますし、また虹の中にはスペクトルという形で全ての色が含まれています。そういう意味で音や色彩、リズムといった多様な要素が、一つの現象として現れる虹というのは、世界中から人が集まり、多様な文化を結集して、新たな作品、パフォーマンスを繰り広げる国際芸術祭にとってはふさわしいイメージではないかと考えています。

あいちトリエンナーレは、現在あまたある国際芸術祭の中でもいくつか際立った特徴を持ってその存在感を増しているように思います。その一つは先端性、最新性です。現代美術の中でも、あるいは舞台芸術の中でも、できるだけ新しい取り組みや工夫を取り上げて、世界に先駆けて紹介してきたという意味での最新性。もう一つは、美術、映像、音楽、パフォーマンス、そしてオペラに至るまで様々な表現分野を総合的に扱う複合的な芸術祭。これもそれほど多くはないと思います。そういう意味で、現在は分かれているジャンルの間に根源的な共通言語を発見するいい機会になると思いますし、異分野のコラボレーションによって、新しい表現をこの場で創り出す、そういった実験的な場にもなると思います。3番目は、第1回のテーマにもありました祝祭性です。芸術そのものが、アーティストとそこに集う観客、参加者を含めた一つの旅であります。その旅を国境や文化を越えて、この場で一つの祝祭として繰り広げる。真夏の一番暑い時に、感動と歓喜の声が溢れるような、そういった非常にカラフルな場としての芸術祭を創り出したいと考えています。

「キャラヴァンサライ」という言葉ですけれども、キャラヴァンという言葉は知られていても、キャラヴァンサライというと比較的耳に新しく響くかもしれません。これは、もともとはペルシア起源であると聞きましたけれども、背中に様々なものを乗せた動物とそれに人間がついて移動していく隊商と呼ばれるキャラヴァンが泊まる宿営地、宿泊地のことです。「サライ」という言葉は、もともとは家という意味があります。愛知県にある美術館やここにある劇場、まちなか展開するイベントの会場が「サライ」という名の家であり、そういった場所に移動していくキャラヴァンが滞在して、そこに人が集うイメージで「キャラヴァンサライ」という語を採用したわけです。

英語では、「Rainbow Caravan」になっていますが、この語からは、様々な色や音やリズムがイメージされると思いますし、またそのイメージからそれぞれの人が自分の考える虹を描く、そういった好奇心を喚起するテーマになるといいなと思っています。

メインビジュアルとカラーについて一言ご説明します。色というのは当たる光線によって大分変わりますが、色名としては、イエローオーカーと呼ばれる色です。黄色よりは多少赤みがかった色で、辞書で引くと漢字で黄土色と出てくるかと思います。イエローオーカーのオーカーとは土の色で、土から採れる顔料の色です。土にはその土地ごとに色々な色があり、赤褐色系、黄褐色系の色をオーカーと呼ぶのですが、実はこのオーカーという色は人類が最初に絵を描いた時、つまり洞窟の岩壁に最初の美術の行為をした時に、最初に使った絵具です。土から採られたオーカーが、人間が物や絵を描いた時の最初の色になったということです。

その色を採用したメインビジュアルを見ていただきますと、今私の後ろに貼られているポスターもそうですけれども、杭のような棒が9本、縦に並んでいます。これは印刷した場合にはこのようになりますが、今回も国際芸術祭の情報は準備段階から本番、開催期間中も常にWebで情報を更新していくわけですが、そのWebになった時には、画面が変わる度に棒が違った出方をするようなプログラムで書かれています。静止画の場合はこのように印刷されていますが、Webの場合はランダムに出てきます。ですので、角度が微妙に異なってくるため、このようにポスターを並べて続けて貼ると、あたかも人間がアニメーションのように歩いて、あるいは動いているように見える一種の錯覚を起こします。そうした動きのあるメインビジュアルというアイディアです。

これから2016年までに、長いようであまり時間がありませんけれど、このテーマとコンセプトに沿って実際に参加していただくアーティストやイベントの内容をキュレーター、事務局と一丸となって決めていく過程で、このテーマとコンセプトが具体的に肉付けされていくだろうと思います。その意味で、今日これから、今日ここに来てくださった皆さんと一緒に2年間続けていく旅が我々のキャラヴァンとなります。どうか、ご参加よろしくお願いします。

あいちトリエンナーレの際立った特徴の一つに、美術と舞台芸術を総合的に展開する複合性があります。今、世界的に芸術祭というものが増えていますが、こうした複合性を最初から強く打ち出している芸術祭はそれほど多くないと思いますし、領域横断的なアプローチを今後も続けていくという上で、今後も注目されると思います。そのために、国内、国外の専門家の協力を仰ぎ、そういった性格をしっかり引き継いでいきたいと思っています。

私自身はこれまで、写真家として活動をスタートさせてきました。それと同時に人類学、特に文化人類学の一つの専門分野である映像人類学を中心に、あるいはムービーを中心に活動してきました。今も多摩美術大学の芸術人類学研究所の所員として研究を続けています。そういった人類学的な研究、写真、映像の専門性をもって何らかの貢献ができたらいいと思っています。

人類学というのは、人間の数万年にわたるこれまでの営みをその細部において観察し、記録し、それを伝えていくという壮大な視点を持った学問です。同時に、様々な困難にもめげず人間が前進してきたことを、ものを作る姿勢に寄り添って記録してきた、そういった創造性を対象にした学問でもあります。そういう意味で我々の今までの研究の成果や世界中の芸術祭に携わってきた人たちの創造性を取り込みつつ、今回の2016年のトリエンナーレに何らかの貢献できたらと思っています。

また、映像や写真を含めた現代のメディアというものは、皆さんがお持ちのカメラやスマートフォン、そしてビデオカメラに反映されているように日進月歩の世界であります。今や映像は専門家が作るものだけではなく、小さなカメラや電話を手にした全ての人が撮影し、それを編集し、発信していく、そういった万人に開かれた創造の分野になっているわけです。そういった現代の情報通信社会やメディア社会の創造性を十分に把握しつつ、それをトリエンナーレという総合的な祝祭性に結びつけられたら、何か新しい視点を出せるのではないかと思っています。芸術祭にとっては、その広く開かれた共有が成功の鍵になってくると思いますが、今申し上げたメディアや新しい情報通信の環境を次の広報活動にも生かせたらいいのではないかと思っています。

あいちトリエンナーレの世界に向けた発信としては、やはり都市型の芸術祭であり、特に都市の価値、都市が生み出す文化を基軸に据えた非常にダイナミックな芸術祭であることが大きなアピールポイントになると思います。それと同時に、愛知という非常に長い歴史と、芸術や芸能にとっても豊かな経験と蓄積のある地域の、ものづくりも含めた創造性、これも世界に向けて発信していきたいと思っています。

1回目、2回目の成功をバネにしつつ、何か新しいステージを2016年に向けて作っていきたい、また一丸となってそのために全力を尽くしたいと思います。芸術祭というのは主役が観客であることに違いありません。すべての人がここに来て良かった、もう一度来たいという、旅の経験に例えてもいいと思いますが、そういうワクワクする楽しい、驚きに満ちた創造的な旅を皆さんと一緒に作っていきたいと思います。
　ベストを尽くしますので、どうかよろしくお願いいたします。