それを受けて金井さんにお話を伺ったところ、結婚にかける費用の総額は全国平均で340.4万円のところ東海は333.7万円で、1位は福島県の374.4万円だそうです。総額は全国平均以下であるものの、招待客にかける費用はというと、全国平均が1人あたり1万7700円に対し、東海エリアは1万8500円と首都圏に次ぐ2位であることや、引出物にかける費用が1人あたり8000円で首都圏、富山県に次ぐ3位であることから、招待客一人一人にかける費用が高い傾向が見られるそうです。

　また、バブル期のハデ婚、景気停滞期のジミ婚を経て、震災以降は感謝の気持ちを家族や友人に伝える結婚式へと変化しており、これまで裏方だった家族に感謝する演出として、お色直しのエスコート役を家族が務めたり、両家の両親と共にケーキカットを行ったりすることなどが流行っているそうです。さらに近年の変化として、新郎新婦からゲストに感謝するばかりでなく、列席者から新郎新婦へのサプライズ演出など、双方向のコミュニケーションが図られていることを話されました。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター　田中由紀子）

　「国際芸術祭の場で2つのことを考えたかった。一つは芸術における継承という問題。昔から連綿と続いているものを、後世に引き継ぐのも芸術祭の役割。もう一つは、あいちトリエンナーレの二本柱となっている視覚芸術と舞台芸術を架橋させることだった」という小崎さん。ベケットとチェコの詩人で元大統領のヴァーツラフ・ハヴェル、ハヴェルと参加アーティストのイリ・キリアン、そしてベケットと20世紀の最も重要な作家の一人として評価されるジェイムズ・ジョイスとの関係に触れながら「ジョイス、ベケット、ハヴェル、キリアンという流れがヨーロッパにはある」と、当初はオファーを断られたというキリアンの起用にこだわった理由を明かされました。また、ベケットのテキストを引用したジョセフ・コスースや、『ブレス』を映像化したダミアン・ハースト、舞台演出のためにゴドーの木を制作したアントニー・ゴームリーなどを例に挙げ、現代美術へのベケットの影響の大きさについて言及されました。小崎さんによれば、ベケットの『しあわせな日々』の舞台装置の小山の影響は、クリスチャン・ボルタンスキーによる古着の山やソン・ドンの作品に見られる廃物の山、会田誠が描くサラリーマンの死体の山などにも見出すことができるそうです。

　詩人でもあり、前回のあいちトリエンナーレの芸術監督も務められた建畠さんのお話は、現代美術とパフォーミングアーツの関係をあらためて考える機会となったのではないでしょうか。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター 田中由紀子）

　アメリカのボストン美術館などで菊池さんが関わった事例としては、視覚障がいのある人とない人が同等の立場で、どのように館内を誘導したらいいのか、どのように作品を説明したらいいのかを互いに教え合うというプログラムが紹介されました。また、ボストン美術館の案内係を務める富裕層の女性たちに代わって、一日だけ高校生が案内係を務めることにより、区別しない学び合いの場づくりを推進していった事例も紹介されました。

　「障がいはチャンス。障がいやさまたげから新たな文化政策が生まれる」という菊池さん。これまでは富裕層に支えられてきたボストン美術館も、どのようなコミュニティを対象に美術館として今後継続していくべきかを考え、夜間ならば来館できる地域の労働者層に向けて開館時間を変更したり、プログラムを設けたりしているそうです。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター 田中由紀子）

　挑戦と失敗を繰り返し、一時は描くことを封印していた東京大空襲に再度挑んだのは、2001年にニューヨークで起こったテロ攻撃9.11がきっかけ。「テレビで見た時、神風特攻隊と真珠湾攻撃のパロディかと思った。月並みに平和を謳った絵画は少なくないが、現代のゲルニカとなるような作品を描きたいとあらためて思った」という岡本さんは、太陽神アマテラスを絶対化し、絶対神として天皇を崇めてきた大日本帝国の崩壊を、古事記と絡めながら描けないかと考えました。「さくら」は、まさに日本を象徴するイメージ。「ころがるさくら」という言葉には、大日本帝国の崩壊だけでなく、国民の歴史観や精神性の転換という意味が込められているように思えます。

　《ころがるさくら・東京大空襲》は17点組みの大作。一見すると明るい色調でポップな印象ですが、細部をよく見ると、米軍機や花火などの絵柄をはじめ、経文や神話の神の名前、歴史上の事件名など文字がびっしりと描きこまれ、古代から大日本帝国の終焉に及ぶ一大叙事詩のようです。そこからは、戦争と平和を単純な二項対立としてではなく、連続する概念として捉える岡本さんの歴史観が読み取れます。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター　田中由紀子）

　名和さんといえば、動物の剥製の表皮をガラスビーズで覆い尽くしたり、箱の表面に貼られたプリズムシートによって中のオフジェの異なる角度で見た像が現れたり、白く発光する水面に均一な泡が現れては消えるといった〈PixCell〉シリーズで注目されていますが、PixCellとは、画素のピクセル（Pixel）と細胞のセル（Cell）を合わせた造語。「Cellという言葉は、創作のベースとなる概念であり、フォーマットや制作の方法論にも影響している。世界の見え方や、ものの生成もすべてそういう見方ができるのではないかという考えのもと、15年くらい制作している。Pixelのセルともじって、映像の細胞のような作品をつくってきた」と語る名和さん。ガラスビーズ自体が映像を映し出す装置になることに気づいたことから、〈PixCell〉シリーズが始まりました。

　新作《フォーム》は、Cellが無限に発生するPixCell [LIQUID]に該当する作品。静かで不穏な美しさを表現するために、天井と壁をすべて黒く塗り、床に水を張るため床面に防水加工を施し、黒い砂利を敷くという会場づくりから始めました。「3階まで上って暗い通路を通り抜け、展示空間に一歩足を踏み入れると別世界だったという体験をしてほしかったので、ザクザクとした足元の感じも大切だった。そのために23トンもの砂利を手で運び入れなければならなかったし、気圧や温湿度により泡の制御も難しいが、シンプルでありながら普遍性が感じられる作品ができた」とのことです。

　《フォーム》は来場者から高い評価を得ている作品ですが、制作にまつわる苦労に驚かれた方も多かったようです。「作品に集中してもらうためにも、どうつくられたのか苦労を感じさせてはならない」という名和さんの言葉をお聞きし、あいちトリエンナーレをつくる一スタッフとして、私も身が引き締まる思いがしました。

（あいちトリエンナーレ2013エデュケーター　田中由紀子）